しずかな小品集(その2)

 

去る2月2日の自主企画イヴェント”しずかな小品集”の内容について、ごく簡単に触れておき

たい。

うちの教室で教本を2冊終えたくらいの生徒さんを対象に、全21曲からなる手作り感満載の

非売品曲集を作ったのである。そのささやかな冊子の選曲コンセプトは、、、

 

*速いパッセージやアルペジオなどの難しい技術を必要としない曲

*極力みじかい曲(一曲の演奏時間が40秒~2分半規模)

*ギター演奏の魅力のひとつである”音色の探求”がしやすい曲

 

以上3つの観点から、著作権にかからないものを含めて選んだものである。

この曲集を配布し、「どういった感じの曲が入ってるか?」を知っていただく為、わたしが

全21曲を実演する、、、というのが2月2日の会だったのだが、ふたを開けてみると予想以上に

”教室外”のお客様からのお問い合わせが多く、冊子の増刷を余儀なくされた。もちろんそれは

嬉しいことであり、当日お越し下さった皆様にこの場を借りて心から感謝したい。

 

 

つまり会場ではプログラム代わりにお客さんが譜面を手に聴くという、いわゆる普通一般の

”コンサート”とは違う種類のイヴェントだったわけだが、予約の時点でその内容に関しては

事前に説明し、お客様の了承を得てはいた。

 

 

そして今回のブログの内容は、その後日談を軸にしたものである。

「単純にコンサートとして楽しめた」

「弾いてみたい曲が見つかった」

などの感想と共に、幾人かの生徒さんから言われたのがこれである。

「先生が弾くからああいうふうになるのであって、あの楽譜を私が弾いても、ちっともああいう

感じにならない」

これは終演後、一緒にお茶を飲みに行った仲間のプロミュージシャンからも同じ指摘を受けた。

まあ、そうであろう。

だがその感想、実は予想していた。

そこでレッスンが意味を持ってくる。すなわち、、、

「ここに書かれたこのシンプルな音符を充実して演奏するために、わたしがなにを考え、なにを

感じているのか」

このことを生徒の皆さんに伝えるチャンスが生まれるのである。

もちろんそれは正解などではない。あくまで曲との向き合い方を充実させるための”私個人の

やり方”である。

つまりわたしが一番言いたいことは、「演奏で充実するかどうかは、選曲が問題ではなく

”取り組み方”」だということ。

 

 

「先生が弾くからああいうふうになるのであって、あの楽譜を私が弾いても、ちっともああいう

感じにならない」

レッスン時にこの感想を口にされた生徒さんのおひとりと以下の会話になった。

「そうですね。演奏で充実するためには、やはり目の前の曲にどうアプローチするかが大切に

なると思います。ちなみに僕は”ちょうちょ”のメロディーのみを単音で弾くときでも全然

退屈しません」

「えっ?ちょうちょって、あの”ちょうちょ”ですか?」

 

 

とりあえずいったんここで話を終える。

次回はこのあたりをテーマにしてみたい。

 

2020.2.19.

 

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しずかな小品集(その1)

 

昨年末あたりから年明けにかけて演奏の時の感覚が変わりつつある。

 

 

だがつい先日の自主企画イヴェント『しずかな小品集』を終えたあとで自分におとずれたものは

どうもこれまでとはさらに一段階違う感覚である。この企画を終えた後で強く感じたふたつの

ことのうち、ひとつを今回は採り上げたい。

 

 

今回痛絶に感じたのは、ギタリストとして自分がいかにへたくそであるかということ。

もちろんそれは毎度のことであり、真新しいことではないのだが、今回おもしろいのは

「へたくそだなぁ」「でもへたくそでいいんじゃない?」

と本気で思えた事。

 

 

これまでは自分のヘタさ加減を認識しつつ、だからこそ

「もっとうまくならなきゃ」「どうやったら技術やメンタルが安定するだろう?」

ということばかり探求してきた。

ただ今回のイヴェントを終えて、

《へたくそな演奏でも、聴いてる人に”すてきな曲だ”と感じさせることは可能》

だと確信できたのである。この感覚はいままで実感できたことが無かった。

 

 

”うまいかへたか”

これは演奏家個人のパーソナルな問題。

だが、へたくそなままでも、その曲を愛することによって、パーソナルな問題というものは

越えてゆける。

うまくもないのに人前で”うまいギタリスト”たらんとしてきた自分に、49歳の誕生日を目前に

した今、ようやくサヨナラ出来そうなのである(ふう、ながかった、、、)。

これからはへたくそなまま、人前でばんばん弾いてゆく。

 

 

「いや、お金とっているプロ意識として”へたくそ”を肯定しちゃダメでしょ!」

というひとも居て当然である。

だが私はこれからそのひとたちと同じ土俵にはいない。

それを決めるのは、他の誰でもないじぶんなのだ。

 

 

余談ではあるが、ここ数カ月これまでにないくらい基礎練習を毎日つづけている。

今までと違うのは、義務感がなく、それが単純に楽しいと思えること。

”へたくそでいい”

”技術練習が楽しい”

このふたつが同居しているのが自分のなかでの一番の新感覚と言えるかもしれない。

 

(つづく)

 

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ローカル性とグローバル性

 

現WBAスーパー・IBF世界バンタム級王者である井上尚弥氏(26)が、N.ドネアとの決勝試合

(2019年11月7日)より前に書いた本『勝ちスイッチ/井上尚弥著(秀和システム)』を本屋

さんで見つけ、購入して読んだ。

 

 

じつは私はそこまで熱心なボクシングファンというわけではない。

だがこれまで活躍してきた日本人ボクサーと比べた時、彼が今まで見た事ない資質を兼ね備えて

いるのだけは容易に感じ取れる。

まだ若い彼が何を考え、何に支えられているのかを知りたかった。

 

 

そして現時点で既に偉大なボクサーである彼によって書かれた内容のほとんどが《自分の

ボクシングと親兄弟、家族との関わり》であったことに正直驚いている。

なるほど、このひとはそうなのか、、、

そこに根っこをしっかり据えて世界を見ている。もしくは彼の中で《世界の舞台》と

《自分のふるさと》が常に同じ次元にある。そのことが非常に印象的だった。

まるで自分の生まれ育った部屋のかたすみに、地球の反対側につながる秘密のトンネルでも

持っているかのような、、、

 

 

常々感じていることだが、究極のローカルというものは究極のグローバルにつながっていること

が多い。それは究極のプライヴェートが究極のパブリックとして受け入れられるのと似ている。

話が個人的(具体的)になるほど、それは多くの人の共感(理解)を得やすいものだ。

話が全体的(抽象的)になるほど、(”いいこと”を言ってるにもかかわらず)ぼやけてしまい

がちである。

実際はそのふたつの間を、いつでもバランスよく行き来できる”柔軟性”が、カギのような気は

している私、、、

 

 

17~18年前の事だったと思うが、数字に関することはどうも記憶が定かではない。

広島でコンサートおよびマスタークラスを終えた鈴木大介氏とふたり、山口県の仙崎を旅した

ことがある。山口県を瀬戸内海側から北の日本海側まで縦につきぬけたところにある仙崎は、

かまぼこ、捕鯨で有名な他、戦後の引き揚げ港としても知られているが、エリアとしては

それほど広いわけではない。

 

 

そのような漁村におじさんクラシックギタリストがふたりして何の用かと思われる方もいらっ

しゃるにちがいない。じつは鈴木氏がその時期、仕事として取り組む予定であった童謡作家、

金子みすゞの出身地である仙崎にリサーチに行き、私はそのお供をしたわけだ。

現地に着くと、事前に連絡を受けていた金子みすゞ記念館の館長さんが歓待してくださり、

館内はもちろんのこと、ご自身で車を出して仙崎をくまなく案内してくださった。

しかもゆかりの地に立ち寄る度、金子みすゞの詩を館長自らソラで朗読してくださるという

まさにビップ待遇!鈴木大介効果のおかげで、私までぜいたくなひとときを過ごす事が出来た。

 

 

館長と別れた後も、二十代前半から私を驚かせてきた彼の観察眼と洞察力は片時も休むことは

なかった。その日、宿に辿り着くまでに彼がはじき出した結論は以下の通りであった。

 

 

「この狭いエリアの中に寺の数が異常に多い」

「生涯26年のうち人生の大半である20年を、この仙崎という狭いエリアで過ごした彼女が何故

ここまで世の中に広く受け入れられるグローバルな詩を書けたのか?」

「それはこの土地に深く根差した”仏教的視点”に起因するのではなかろうか」

 

 

そのとき私は、究極のローカル性が究極のグローバル性につきぬける例というものを、鈴木氏に

よって示されたといえる。

 

(ちなみに余談であるが、このような共存性とは真逆の、いわゆる資本主義社会が他国の文化を

破壊する”地球規模のグローバリゼーション”に対しては、私はつねに反対の立場をとっている)

 

 

2020.1.29.

 

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ギターのお稽古

 

「稽」は「考える」という意味で、漢語「稽古」の原義は

『古(いにしえ)を考える』『昔のことを調べ、今なすべきことは何かを正しく知る』

であるらしい、、、

 

 

20代の頃は、練習の合間に仲間うちで巨匠の弾き方を真似て遊んだりしたものだ

セゴヴィア、ブリーム、福田進一、、、

指先の動きというよりは”身振り”であり、”弾き姿”である

模写のようなもの

 

 

かつて木下尊惇氏がおしえてくれたことがある

ユパンキの演奏ニュアンスを理解しがたい時

どういう”動き”で彼が弾いてるかをイメージ出来れば

すべてがつながる、と、、、

 

 

完全には真似出来ないが

身振りを真似ると指がついてくることがあるのに気がついた

末端を見つめて得るのは”閉じた技術”

閉じたままの技術では音楽できない

いったん閉じた後でも

そこから意識が外側にむかってどう開かれるか、、、

 

 

巨匠はあがめるものではなく真似るもの

そう、完全には真似できない

できないが

ちがうものとして成立させることはできる

その方がユニーク

できないことが自分の中でコンプレックスになるぎりぎり前に

そちらに転換できるか

 

 

「これが自分」というふうに

はじめから個性の追求はできない

個性に対立するものがないから

 

 

「学ぶ(まねぶ)」と「真似ぶ(まねぶ)」は語源が同じ

閉じた技術は自分の中で懐疑的に入れ替わるが

佇まいから得たものは

真に似て

自分の中に残りつづける

 

 

2020.1.18.

 

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いちミュージシャンの年始御挨拶

 

音楽の本質は”和を以て貴しとなす”

マイルス・デイヴィスは自叙伝でこう言い残した
「音楽は絶対に競争じゃない。協調だ。」

自分と楽曲の協調、自分と楽器の協調、演奏する人と聴く人との協調、、、
過去の自分とも競争はしない
自分の過去と協調しながらやっていく
コンクールも決して他者との競争ではない

世にあまたある楽器のなかで
独奏コンクールが存在する楽器のほうが少ないという事実に目を向けてみればわかる
”コンクールの結果”というものは、音楽の本質から遠いところにあるのだ

特に音楽を仕事にしているひとは
協調の精神ひいては平和について世の中に投げかけるのが仕事だ
本人が自覚していようがしていまいがそれが役割だ
(必ずしも具体的なメッセージというわけではなく、もちろん音を通じてだが)
自分の根っこをそこに持ってないと
音楽を生業にしている意味が無いのではないか

国家権力どうしの争い、大中小企業どうしの競争、専門家や研究者間での競争、、、
そういったものにからめとられぬよう一定の距離を置きながら
今年も音楽を通じて自分の技術や感覚、感性、、、
そしてヒューマニティーを育ててゆきたい

音楽は自分と異なる価値観を受け入れるためのエチュードと成りうるのだ

2020.1.7.

 

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