たたかうひと、たたかわないひと、

 

ジストニアのリハビリ生活を始めて早4カ月、、、

遠くない将来、私個人の”ジストニア記録”をホームページで連載しようと現在計画中だが、

ほんとにやっかいな症状なのだ。治療法もいまだ見つかっておらず皆さん自力で取り組んで

あったりする。そんな仲間たちで試行錯誤のデータを持ち寄り、情報をシェアし合うことが、

この症状には有効かと思われる。

 

 

公開での演奏活動は現在控えているが、今月は一週間後に一本だけ出演を予定している。

私の症状は右手( i 指 )だが、この出演は問題がない。ピアニスト権藤寛子さんとの共演で、

ハダメス・ニャタリ作曲『エレキ・ギターとピアノのための組曲』から三曲演奏。

そう、ピックだからジストニアもなんのその!

 

 

この素晴らしい作品、演奏機会が極端に少ないのは、主な理由として二つのことが考えられる。

まずは、現在きちんとした形で出版されていないということがひとつ。やはりこれは大きい。

出版業というのは、よほどのヒット作品でない限り利益が見込めない世界ではあるが、是非

入手がしやすい環境が整うことを願っている。

 

 

もう一つの理由は、ブラジル音楽ギタリスト、もしくはジャズギタリストは、演奏する時

主に”コードネームを見ながらアプローチ”するのだが、この曲はクラシック作品のようにすべて

音符で書かれていることが挙げられる。

要は演奏するに当たって、”玉(音符)読み”というめんどうくさい壁が彼らの前に立ちはだかる

のだ。

かといって、”譜面の読めるクラシックギタリスト”がこの曲を演奏するに当たって、その

ギタリストが違和感無くエレキギターを手にすることできるかどうか、、、という別な壁が

今度は出現する。この作品に関しては、もともとジャズ・ギタリストであった尾尻雅弘さんが

CDで素晴らしい録音を残されてあるが、そういった”ハイブリッド・ギタリスト”でないと、

取り組みの段階で困難が生じる稀なレパートリーなのである。

 

 

では「この作品をクラシックギターで演奏することは可能か?」

私は可能だと思う。組曲全六曲中、そのまま弾けるものもある。

曲によっては、サスティーンが伸びない分、音数で埋めるアレンジを施したりすれば、成立する

だろう。いずれにせよ現在の私は、エレキの方が弾きやすい。ピックだもんね~♪

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今回のタイトルは、別に『進撃の巨人』連載終了に影響されてのものではない(読んでたん

かい!)。

例によって、私の偏見による”気質”の話である。

周りのミュージシャンを見ていて、どうもふたつの気質が存在する気がするのだ。

目に見える、あるいは目に見えない周りのなにかと常にたたかっている、もしくはいつでも

たたかえる臨戦態勢の精神状態にあるひと、、、

そしてその一方で、やむを得ない状況にならない限りは基本たたかわず、周りとの調和をはかる

ことを目指すひと、、、

これはどちらがよい、わるいなどではなく、気質の違いをそのようにおおざっぱにとらえると

腑に落ちるかも、、、という一種のゲームのようなものである。

 

 

例として挙げれば

前者:マイルス・デイヴィス、カエターノ・ヴェローゾ、プリンス、、、

後者:ルイ・アームストロング、イヴァン・リンス、マイケル・ジャクソン、、、

 

 

カドがたたないよう”比較的身近な”同世代クラシック・ギタリストで挙げるとすると(勝手に

ごめん!)、、、

前者:富川勝智、鈴木大介、レオナルド・ブラーボ、、、

後者:岩崎慎一、大萩康司、池田慎司、、、

(以上、敬称略)

 

 

後者として挙げたひとたちも「おれはたたかってる!」というひとも勿論いるだろうし、

前者の中にも「おれは調和がはかれない人間か?」と異論を唱えるひともいるだろうが(笑)

気質としてはこれでおおまか合っていると私は考える。

 

 

前者は自分の所属するコミュニティーおよびネットワークに対して様々な問題を提起し、

その中で異物たることもおそれないタイプである。

後者は《現状を受け入れる度合い》が、そしてギターを弾く人たち(見知らぬ人を含む)に

対する《無条件の愛》、それらの絶対量に関して前者よりも大きい気がする。

 

 

中間値ももちろん無数に存在するだろうが、どちらの気質も社会に必要であり、うまくバランス

がとれているなあ、と感じるこのごろである(まるくまとめてみた)。

 

 

2021.4.17.

 

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リュートとギター

 

先月、福岡市内の某会場で、ふたりのギタリストによるコンサートを聴いた。

東京でご活躍の熊谷俊之さん(36)と、福岡を拠点に活動を始めた松本富有樹さん(30)

おふたりそれぞれソロとデュオによる構成だが、プログラムの大半をバロック作品が占めていた

ことが、ギターのコンサートとしては特筆に値するものだった。

 

 

30代のおふたりが奏でる音は、透明な清潔感があり、特に松本氏に関しては「リュートの

ような軽い感触で」モダンギターを鳴らすひとが出てきたんだなあ、、、と衝撃を受けた。

私にとってそれは、モダンギターの鳴らし方として、まったくの新感覚だったのだ。

一方の熊谷氏は、モダン的な鳴らし方と古楽的な鳴らし方の両方を、ある程度自在に行き来

できる”柔軟性”をお持ちのかたのようだった。よりモダンギターの世界に立脚してあるという

(私の勝手な)イメージだ。

 

 

あの日以来、考えている。

なぜ彼らはヨーロッパにおいて、素晴らしい古楽指導者のもと研鑽を積み、今回のプログラムで

”古楽に対する高次元の教養と理解”を示しながらも、モダンギターを手にしているのか?

 

 

実際ギタリストとして留学し、そのまま古楽器奏者に転向する人はここ数年増えているように

思う。その原因のひとつが、ここ数十年におけるモダン楽器界のアプローチのゆきづまりと、

古楽界の隆盛であることは否定できまい。だがその一方で、”モダン楽器界のゆきづまり”と

いうよりは、モダン楽器奏者のスター達を中心とした《日本クラシック音楽産業》の場に、

活動のすき間を見出せない、ということも大きな要因である気がする。

そういった状況もコロナの影響で今後変化する可能性は大きいが、、、。

 

 

だが私が思うに、ギタリストが”モダンギター”を手にすることの最も大きな意味は

「ギターを愛好するひとたちにかこまれ活動してゆく」

ということであろう。

「いや、自分はちがう」

と思うひともいるかもしれない。だが意図するにしろ、しないにしろ、結果としてはそこに

帰結してゆくのだ。

 

 

そのことを後日、松本氏に話すと

「そうですね、僕は”ギターのひとたち”に、古楽のすばらしさを伝えてゆきたいです」

「そして、その一方で現代音楽もやりたい」

とのことだった。

 

 

さて、今から書くことは私個人の、ものすごい独断と偏見なので無視して戴いて構わない。

暴言であることは百も承知で言う。

私は昔から「リュートの音って、誰が弾いても同じにきこえる、、、」のよ。

それは多分ちゃんと理由があって、古典以降(特にベートーベン以降)の音楽と違い、

リュートとその時代の音楽は「おおやけのことをしゃべっている」音であり、音楽である。

だから当時の音楽そのものにしても、楽器の音色にしても、弾いている人間の”パーソナル”を

反映する必要が本来ない。

それがあってリュートという楽器は、だれが弾いても音色的にはすでに完成されている。

つまり演奏はただ、うまいか、へたいか、、、、もっと詳しく言えば、音楽として高度か

低度か、、、これに尽きるのである(「だから駄目だ」なんて一言も言っていないぞ)。

 

 

一方でギターは、音楽も”パーソナル”を打ち出し始めた時代とリンクしているため、仮にそれが

下手な演奏だったとしても、そこには価値としての”パーソナル”が一応残ることにはなる。

そういった”個性””個人主義”といった感覚の良し悪しは、また別の議論の場が必要になる

だろう。

面白いのは、おおやけ(神への賛美など)のことをしゃべっているリュート時代の音楽の方が、

「なんの(誰の)ために書いている」という目的もしくは宛名が、はっきりしていることであり

個人的感情を吐露するロマンティックな音楽の方が「不特定多数の聴衆にむけて作られて

いることが多い」ことである。それぞれがこういうバランスのとり方になったのは、偶然で

あろうか?

 

 

いずれにせよモダンギターを手にした私たちは、望むと望まざるにかかわらず、

「弾き手のパーソナルが滲み出る楽器」を手にしているのであり、

「ギターを愛好する人々に囲まれつつ」そのひとたちとの人間関係のなかにおいて

音をつむぎ続けることになる。

 

 

2021.4.2.

 

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モリコーネ愛

 

プロミュージシャンは音楽をよく聴く。

 

それは当然といえば当然なのかもしれない。しかし私の場合、プロ活動を始めて以前と以後の

音楽の聴き方そのものに、自ずと違いが生じてしまった。

”以後の聴き方”というのは、つまり音楽を聴くときに「これはミュージシャンとしての自分に

どう”栄養”を与える音楽か?」「クラシックギターでアプローチが可能な音楽か?」といった

視点が意識下、無意識下に絶えずはたらき、且つ吟味してしまう感覚のことを言っている。

 

 

要するに音楽を聴くという行為が「ミュージシャンとして少しでも成長し続けたい」という

願いとつねにセットになって切り離せない、、、というのが長年続いている私の状況だ。

それはある意味、”利害にしばられた聴き方”と言い換えることもできる。

 

 

だが、少なくとも24歳以前のわたしの音楽の聴き方はそうではなかった。

その曲の魅力を分析したりする必要もなく、ただただ浴びるように音を消化していた。

それをこの場で《よりピュアな聴き方》などと定義するつもりも毛頭ないが、そこでの楽し

かった感触や思い出が、今現在の自分を支えているのも実感している。

そういった《たのしい音楽との接し方》をしているケースは、いわゆる職業ミュージシャンで

ないひとの方が私の周りには多く、これまで彼らから機会あるごとに本当に多くの音楽を

おしえてもらった。

 

 

ちなみに現在の私が、自分の活動を意識せずに(利害抜きで)音楽を浴びたい時、かけるものは

ここ数十年決まっている。クラシックギターと縁のうすいもの、、、、例えばニール・ヤングや

ルー・リードのよれよれの歌、もしくは逆にシャキッとしたドラムン・ベースやエレクトロ

ニカ系、そしてなぜかエンニオ・モリコーネである、、、

 

Ennio_Morricone_Cannes_2007_edited

Ennio Morricone (1928~2020)

 

モリコーネが世の中から注目され始めたのは、1960年代半ばから70年代前半にかけての

マカロニ・ウエスタン(もともとはスパゲッティ・ウエスタンと云った)映画の作曲家として

である。だが彼の自叙伝によると本当はクラシックの作曲家として活動したかったらしい。

ちなみに作曲に関しては、ゴッフレド・ペトラッシ(ギター曲”Nunc”など書いたイタリアの

巨匠)に師事しており、クラシック~現代音楽を正統に学んだひとなのだ。

 

 

映画そのものの評判および知名度と、彼の仕事の充実ぶりはかならずしも一致しない。

映画そのものがあまりにB級、C級すぎて”お蔵入りクラス”になってしまったものにも

彼の場合、非常に印象的ですばらしい音楽を付けているからである。

 

 

映画としての評判や知名度が高いものを、以下独断と偏見で挙げると、、、

『荒野の用心棒(1964)』『夕陽のガンマン(1965)』『死刑台のメロディ(1971)』『ソドムの市(1975)』『オルカ(1977)』『ワンス・アポン・ア・タイム・イン・アメリカ(1984)』『ミッション(1986)』『アンタッチャブル(1987)』『ニュー・シネマ・パラダイス(1988)』『海の上のピアニスト(1998)』、、、etc.

 

そしてそれ以上の独断と好み、つまり松下チョイスによる至高のモリコーネ音楽を挙げると、、

scusi facciamo l’amore  (1967)』『ウエスタン (1968)』『1969年~1972年に手掛けたものすべて』『エスピオナージ(1973)』『ミスター・ノーボディ(1973)』『ロリータ(1997)』、、、etc.

 

 

モリコーネ音楽の魅力とは、口笛、コーラス、オーケストラ、ギター、ピアノ、民族楽器、

電子楽器その他を駆使した幅広いサウンドと、抒情的バラードから胡散臭い8ビートロックまで

の幅広いジャンルを、どこから聞いてもそれとわかる”モリコーネ流”に料理しているところ。

加えて個性的な歌い手とのコラボレーションも印象的であった。

以下に例を挙げると、、

 

*フォークの女神ジョーン・バエズとの死刑台のメロディー

*ブラジルMPB 最重要人物シコ・ブアルキとのFuneral de um Lavrador

*ピンク・フロイドの実質リーダー、ロジャー・ウォーターズとの海の上のピアニスト

*そしてもちろん、60~70年代モリコーネ・サウンドに欠かせないスキャットの名手エッダ・

デル・オルソをフューチャーした限りなくうつくしいメロディーの数々、、、、

 

 

前述の自叙伝『エンニオ・モリコーネ、自身を語る(河出書房新社)』には、面白いウラ話も

多かったが、B.スプリングスティーンについて触れている箇所は、読んでいて意味不明の金縛り

にあった。ブルースが大のモリコーネ・ファンであることは有名だが、その彼について巨匠は

こう言及した。「バンジョー、ハーモニカ、クラシック・ギターは素晴らしいです。エレキ

ギターは少し劣るようですが。(~後略)」

???

 

 

ちなみに会話の中でモリコーネの名前が出ると

「ああ、モリコーネね、、、私大好きです、、『ニューシネマパラダイス』とか、、、」

で終わることがほとんどである。つまり話がそこから先にいくことが稀なのである。

多くの人にとって、モリコーネはいわゆるあの”ニューシネマ~”のモリコーネでしかないようで

ある(ピアソラと”リベルタンゴ”の関係にも似ている)。

 

 

だが今日はモリコーネ特集だし遠慮なく言わせてもらう。

『ニュー・シネマ・パラダイス』の音楽はたしかに魅力的ではあるが、モリコーネ本来の魅力

とは別種のものである。

私が感じるモリコーネ音楽の魅力とは、そこに《すきま感》《余白》があることに尽きる。

つまり彼にとっては、映像あっての音楽であり、音楽やメロディーのみが独立で主張するものは

彼本来のすがたとは違う。彼の音楽は映像に対するクッションの役割なのだ。ときおり強烈な

クッションになることもあるが、あくまで”クッション”は”クッション”なのである。

だがぼくに言わせると『ニュー・シネマ~』はうつくしいメロディーを性急に畳み掛けすぎて、

彼本来の余白がない。なぜなら息子が作ったメロディーだからである(オーケストレーション

等はエンニオによる)。

 

 

なぜミュージシャンたちがこぞってコンサートやライヴでこの曲を採り上げるのか、これでもう

お分かりだろう。この曲は”音楽のみ”で満たされているため、音楽産業の場で成立しやすいので

ある。今回の話で仮に炎上しても全然かまわない(そこまでの影響力もないですが)。

なぜならこの件に関しては、イラつく読者よりも私のほうが確実にイラついているからである。

 

 

最後に彼本来の《情報量の薄い》、それでいて《ゆっくりと息の長い》、映像とそれを観るひと

の感性に《余白と愛とをあたえる》モリコーネ・サウンドをお楽しみいただき、お別れしたい。

 

La Bambola『Veruschka(1971)』

夕陽のギャングたち(1971)

巨匠とマルガリータ(1972)

エクソシスト2(1977)

Il gatto(1978)

 

 

2021.3.12.

 

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たまたま?それとも、、、

 

本日、ふと久しぶりの”エゴサーチ”、、、

 

 

断っておくが、私の場合けっして自意識過剰からくるものでないと信じたい(笑)。

むしろ私の行動や言動が、知らず知らずのうち、どこかで誰かに迷惑をかけ大炎上したりして

いないかその確認、いわゆる小心からくるものである(苦笑)。

 

 

【松下隆二ギター】で検索をかけたところ、自分のオフィシャルサイトの次に上がっていたのが

大阪の友人ギタリスト麻尾佳史さんのブログ。なんと私のことを愛情たっぷりに紹介して

くださっていた一年も前の記事 だった。

 

 

目を通してみると、私が受け止めるには過分なお言葉が並び、うれしい反面、私自身がこれらの

お言葉に見合う人間かどうか、甚だ心もとない気がする。

 

 

それはともかく、麻尾さんに対して私がいつも驚嘆するのは、他者の言わんとすることを

非常に正確に受け止める能力である。

 

 

言葉を他者と共有することはむずかしい。

言葉は思考を他者に伝える道具とも言えるが、意味やその分量の受けとめかたは本当に人

それぞれである。 仮に”フォルテ”という言葉を共有しても、受け止める感触や分量はやはり

ひとそれぞれである。

 

 

さらに正確に伝えるために、様々な比喩を駆使したり言葉を重ねるほど、伝えたいことには

皮一枚で届かない、、、というもどかしさがある。

もっともそこまで自分のなかの個人的感触を、他者に精密に伝える必要があるのかどうかは

また別の話として有る。

ちなみに私の場合、言葉の力というものをそこまで信用してはいない。

こちらの思っていることが言葉を介して4割伝われば、コミュニケーションとしては充分かな

と、日頃のレッスンでも感じている。

 

 

ところが彼と話していると、こちらの意図するところが、言葉を介して”8割がた伝わって

いる”そのことに驚嘆するのである。おそらくであるが、言葉を受け止めるときの彼の姿勢が

他者の言葉を単なる「情報として」ではなく「感覚も動員しながら」受け取る習慣がついている

のだろう。つまり相手がどういう感触で”その言葉”をしゃべったか、、、など。

 

 

それはともかく今回の本題はここからである。

彼のブログ記事の最後に、娘さんとTVアニメ『おじゃる丸』を観ていて、

「あ、松下先生だ!」

というキャラが出てきた旨、書かれてあった。

名は冷徹斎星月、、、

20200302221652319

たしかに似ている、、、(だが、しかーし!)

 

 

ちなみに二日前のレッスン時、小5の男の子から「日頃の感謝を込めて」と、手作りの

クッションをプレゼントしてもらった。家庭科の授業で慣れないミシンを駆使して作った

そうだ。なんとうれしい(おじさん感激)、、、、だがしかーし!その布デザイン、、、

 

 

《おもて》

DSCN715

《うら》

DSCN0716

 

2021.3.7.

 

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『松下流アナリーゼ』の周りで

 

 

”経験”とはサティが言うように「麻痺のひとつのかたち、柔軟性の反対」なのだろうか

ぼくはこの言葉を7割がた信じつづけて久しい

 

 

『~の周りで』という連載シリーズを経験を織り交ぜつつ時々書いているが、タイトルに関して

手軽につけた割には、ぼくの音楽への向かい方を的確にあらわしていて、「うまくつけたもん

だな」と自分でも思う。

つまりは、ある木を描くときに、木そのものを描くことにとらわれず、木の周辺、たとえば

”こちら側の角度から見たらこういう印象”とか、

”その木のまわりにはどういう草が生えている”とか、

”その付近の風当たり、日当たり”とか、、、

を感じることによって、その木の周辺の印象や存在をふくめ、ぼんやりと感じること。

それは木そのものを精密に描写するよりも、結果として”木そのもの”により近づける気がする

のだ。

 

 

そのことと同様に”松下流アナリーゼ”は、結果その曲の肝心なところには少しも触れることが

できていない。いずれも周辺の些末なことばかりとりあげているのだが、そのことで浮かび

あがる”ぼんやりとしたもの”の方に、現在のぼくは興味がある。

 

 

言葉は思考するための道具であり、その機能によって”感覚的なこと”をつかまえようとするが、

現実というものは複雑であり多層的だ。

言葉で表現するということは、ある意味”ポップ化”であり、言葉をたくさん並べるほど現実は

数ミリ単位で逃げてゆく。ポップ化は「わかりやすく伝える」ことが目的であり、それで

「現実を伝える」ことはできない。

ぼくの場合、そう割り切ってポップ化したり断言したり、、、。

 

 

つまるところ、ぼくのブログが断言調なのは、決して自分の言葉を信じているからではなく、

あくまで伝えるためのポップ化を演じている、ということ。

だからぼくの言葉をもっとも正当に信じていて、かつ信じていないのはたぶんぼくであるだろう

と思う(笑)。

 

 

そんなぼくの言葉に、ひとはそれぞれちがう広がりを持ってくれるし、そうであればうれ

しいな、、、と思いながら、不特定な宛先に向けてこのブログを書き続けている。

 

 

《四十代最後の日に》

2021.2.15.

 

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