大丈夫か?

 

先月、福岡県内某所にて若手ギタリスト加藤優太氏と若手オカリナ奏者弓場さつき氏の結婚

披露宴がとりおこなわれた。

新郎の元師匠という義理で光栄にも主賓スピーチと演奏を仰せつかったのだが、経験のない私に

このたび意外な盲点があった。

演奏に関しては新郎のスペイン留学の大先輩にあたるギタリスト池田慎司氏とのデュオを依頼

され、演奏と主賓スピーチ込みで15分程度という話だったので、なんとなく楽観視していたの

だが、、、。

 

出番も披露宴中盤より前と聞いていたので、

「メインディッシュとデザートは精神的に落ち着いて味わえそうだ」「まあ、スピーチに

関しては、MC的感覚で乗り切ればよかろう」

ぐらいにへらへらと準備していたのだが、式前日ふと気になって《主賓スピーチ》と検索して

みたのだ。

すると【友人スピーチと違い、主賓スピーチには品格が求められます】とあるではないか!

(ガーン)。

 

品格って、、、そんな、、、金だろうが品だろうが、無いソデは振れませんがな、、、。

しょうがない。行き当たりばったりスピーチはやめて原稿でも書くか。少しは品が出るだろう。

 

うん、なかなかいい文章が出来た!しかし”いいひと”になるのはなんて骨が折れるんだ。

やっぱり日頃から”いいひと”をやっておかないと付け焼刃ではだめなんだな、、、。

 

取り敢えずひと安心してレッスン業務にもどった私。

薬品会社のお偉いさんを長年務められた生徒さんに

「いやー、明日は主賓スピーチ頼まれちゃって、取り敢えずさっき原稿書いたんです。明日は

これを読むのでとりあえずひと安心♪」

するとその生徒さん曰く

「えー?主賓スピーチは原稿読んじゃダメでしょ」

な、なんとそうだったのか!知らなかった、、、(ふたたびガーン)。

 

念のため次の生徒さんにも聞いてみよう。

次の生徒さん曰く

「主賓が原稿読むなんて、そんなみっともない真似をしてはいけません、先生!」

な、なんだ、、、この日頃の仕返しのような厳しい口調(みたびガーン)。

しょうがない、、、結構長い文章書いてしまったが、今から暗譜、いや暗記だ。

 

「リハもかねて前日から福岡に前ノリしまーす。」

と言っていた相方の池田氏がやってきた後も、練習そっちのけでぶつぶつと暗唱していた私。

途中何度かくじけそうになった。

「やっぱりもう原稿読んじゃおうか」「譜面台に置いてチラ見しながらいくか」

しかし

「いやいや、新郎新婦晴れの日だし、、、」「ヒンカクヒンカク、、、」と踏みとどまった

けな気な主賓。

 

当日行きがけの電車内でも池田氏に

「ごめん、しばらくそっとしといてくれ」とお断りしてぶつぶつ、、、。

 

駅に到着し、式に御出席のオカリナ奏者、和田名保子氏に遭遇しつつも、

「すみません、スピーチあるもんで、、、」とお断りしてぶつぶつ、、、。

 

会場に到着し受付を済ませた後、柱の陰に隠れてぶつぶつ、、、。

この記憶力を駆使すれば、小品3曲は暗譜出来るだろう、というくらい脳みそとの果てしない

戦いが続いた。

 

そうして演奏そっちのけでむかえた”本番”(もはや新郎新婦もそっちのけのような心境か)。

途中、文をひとつ飛ばしましたが、まあ品格は保てたかな、、、かろうじて、、(おほん)。

 

2018.5.19.

 

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近頃の読書

 

”客観”というものは本当に存在するのだろうか?

するとしたら、どんなふうに存在しているのだろう?

 

決して完全否定しているわけでもないのだが、どうも最近それを実感できないことが自分で

気になるのだ。

自分の子供のころから”ものを見る立ち位置”はゆっくりとゆっくりと移動し続け、47歳の現在、

ひとの世は、ひょっとしたら”それぞれの主観”を自分以外の他者と共有できる範囲のことを、

単に”客観”と呼んでいるだけではないか?つまり実存の世界においては主観がすべてを占めて

いるのではないか?、、、、そのように思えてならない。

 

この辺のお話は”中世スコラ哲学”や”カントの専門研究家にうかがえば、説明してもらえるの

だろうが、説明が詳しく丁寧になるほど私の脳みそはもつれ、ねじれてきて訳が分からなく

なるのが目にみえる。

 

私の場合、上記のことが全くの素人考えだという自覚はちゃんとある。

これを客観と呼んでいいものだろうか?いや、ちがう気がするのよね、なんか、、、。

 

コンサートの感想などたまに拝聴していると、その感想を通じて、本人が《自分の言っている

ことが”自分の主観”だと認識している》ことが伝わってくるものは、たとえマイナスな意見で

あっても、どこかしら爽やかである。

言ってる本人が心の何処かで《私の意見は全体を俯瞰で見た客観的なものであり、他の人の

意見も併せて代弁している》と感じているのが伝わってくると、たとえ誉め言葉であっても

私にとっては爽やかではない。ましてやそれがマイナス意見の場合には、、、(苦笑)。

 

私は自分の考え、感覚、意見が、自分の中の個人的なものに根差した”非常に主観的なもの”

だという自覚が常にある。あなたはどう?

 

というわけで、いきなりではあるが、私が最近読んだ本のなかで、現在の私の心にとても響いた

三冊を主観的にご紹介したい。

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『はじけ!鳳仙花~美と生への問い/富山妙子著(筑摩書房)』

1921年神戸生まれの著者は少女時代を満州ハルビンで過ごす。画家を目指す一方で、戦時中の日本統治下にある中国人民の悲惨な生活を目の当たりにしたことが、その後の活動に多大な影響を与えた。筑豊炭鉱、南米移民、インド、ロシア、朝鮮、メキシコ、、、世界中を旅しながら国家権力や富裕層に虐げられたひとびとの中に入り、創作活動を続ける。本書はその生い立ちから80年光州事件あたりまでの時代を描いた自伝的なものであるが、個人的、主観的な話であるからこそ、結果として当時の人々の暮らし、生きざまが生々しく匂ってくるすぐれたドキュメンタリーとなっている。

 

『宮本常一が見た日本/佐野眞一著(NHK出版)』

宮本常一(1907~1981)は、戦前から高度成長期にかけて日本中の村から村、島から島をくまなく歩き、そこに生きる人々の生活を文章や写真で記録した。その経験と膨大な知識をもとに、孤立し隔絶した島や村で”地域振興策”を説き、多くのひとびとに誇りと勇気を与え続けた。その「経世済民思想」と「宮本学」は血の通ったぬくもりで今でも島国日本をやさしく包み込んでいる。こんなひとがいたんだなあ、、、。

 

『音楽の聴き方~聴く型と趣味を語る言葉/岡田暁生著(中公新書)』

実はまだ読んでいる途中なのだが、あまりにおもしろいので紹介させて頂く。題名だけ見て拒否反応を示す方もいらっしゃるはずだ。だが内容は権威的押し付けもなければ、いわゆるハウツー本でもない。

~「音楽は言葉を超えている」という決まり文句は、ロマン派が作り出した近代イデオロギーなのだ。(中略)語彙や語りのロジックが増えるほど、人はよりよく聴ける。「音楽を聴く」とは、「音楽の語り方を知ること」でもある。そして音楽を語る語彙は出来るだけ身体に響くものがいい。【本文中より】~

例が非常に具体的でわかりやすく、よくもまぁここまで言葉を自在に使いこなせるものだ。日頃レッスンの折、言葉で伝えることに腐心している同じ内容のことが言葉のプロフェッショナルの手にかかると、なんと爽快!特にクラシック愛好家、専門家にお薦め。

 

2018.5.8.

 

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年下のミュージシャン達

 

最近気がついたのだが、今年に入ってから、自分より年下のミュージシャンとの共演や交流の

頻度が高い。

そういえば今までの私は、どちらかというと自分より年上の経験豊富な先輩に食らいつき、

吸収しようとしてきた。

その姿勢と気持ちは変わることなく今後も続いていくに違いないのだが、近頃どうも自分の

近辺で年下ミュージシャンから受ける刺激が多くなっている気がする。自分もそれなりに年を

食ってきたという事だろうか。

私が出来ないことを出来るミュージシャンに対しては、もちろん年上年下にかかわらず無条件に

尊敬してしまうのだが、、、。

 

ここ最近共演した、あるいは交流のあったそんな”年下ミュージシャン達”を、紹介がてら幾人か

挙げてみたい。

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【山田 賢】

今年3月に、うちの教室主催のコンサートで共演させて頂いた姫路在住のギタリスト。

作曲や編曲を巧みに手掛け、20代後半にして既に自分の音楽世界を持ち合わせている。

そこで表現されるユニークな音世界は、世界各地で生まれているムーヴメントを現在進行形で

貪欲に吸収し、共鳴、呼応していることを雄弁に物語っている。

彼にとっておそらく《ギター》は音の素材に過ぎないが、もっとも身近な素材であることは

疑い無い。

 

 

【山下 紅弓】

”あの山下和仁氏のご長女”ということを抜きにしても、おそらく彼女の演奏は私に特別な何かを

投げかけてくる。

同じ長崎出身(福岡在住)のギタリスト、橋口武史氏を通じて知り合い、来月6日にご一緒する

機会を戴いた。先日3人で初めてのリハーサルをやったのだが、未だに底が見えない。

当日ステージで共有できるものを今からとても楽しみにしている。

 

 

【太田 耕平】

彼は福岡出身のギタリスト”だった”。

イタリアの巨匠、ステファノ・グロンドーナ氏のもとで7年間研鑽を積み、卒業後ドイツの

フランクフルトに移り、リューティストの今村泰典氏のもと古楽演奏についての見識を深め、

通奏低音奏者としての実績を重ねた。帰国後は福岡に居を構え、教室運営と同時にリューティ

ストとしての活動を全国的に展開している。

実は先日、意を決して彼の門を叩いた。バッハの曲の手ほどきを受けたのだが、「この作品の

どこがユニークか?」「通奏低音奏者から見た演奏アプローチの可能性」という2点を中心に、

未だかつてないほど、非常に有益なアドヴァイスを頂戴する事が出来た。

 

 

【弓場 さつき&加藤 優太】

現在のオカリナ界若手筆頭の弓場さつき氏と、セゴヴィアの生まれ故郷スペインのリナーレスで

研鑽を積んだギタリスト加藤優太氏のおふたりは、今月ニュー・アルバム『Colorido』を発表

した。

日本のオカリナ界は、宗次郎さんに代表されるヒーリング的世界観に始まり、本谷美加子氏や

和田名保子氏のようにオリジナル作品で独自の世界を打ち出す演奏家を輩出しながら、現在

大沢聡氏がこれまでにないポップなセンスで全体を牽引している。その大沢氏のもと研鑽を

積んだ弓場氏のオカリナは、20代の若さで既に師とは別の地平に立っている。

”かわいさ”あるいは”ものさびしさ”が前面に出てきやすい《日本特有のオカリナ世界》から

彼女が脱するのに大きく貢献しているのが、加藤氏の凛としたギターの音色であり、攻めの

姿勢を保った彼の巧みなアレンジであることは疑いない。アルバムに収録されたグラナドスの

「オリエンタル」や、5つの「カタルーニャ民謡」、ファリャの「スペイン舞曲」を耳にした時

オカリナとギターのコンビネーションがここまでスペイン音楽にマッチしているという事実に

正直驚きを禁じ得ない。

 

 

【Aki Miyoshi】

私より年下といっても、40をすでに越え、世界を舞台に活躍する大阪在住のベテラン・

ギタリスト。

先日初めて福岡でご一緒し、そのお人柄もさることながら、クラシックギター演奏をベースに

しつつ、ポップスにもきちんと敬意をもって精通されてる姿勢に感銘を受けた。

理屈ではなく一緒に演奏した人間は、彼の”音楽に対するいつわりのない愛”がわかるはずだ。

現在の立ち位置としては《ソロギター・パフォーマー》というところであるようだが、やはり

同じ立ち位置で福岡を中心にソロ活動を展開してある城直樹氏や、Akiさんの友人である

アメリカ人ライアン・エアーズ氏(マーサ・マスターズの弟子)に共通しているのは、3人とも

エレクトリックによる”バンド経験”が無いこと。

これはここ近年の面白い特徴だな、、、と個人的には感じる。

 

(おわり)

 

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灰野敬二の世界

 

灰野敬二は本来すべての人がからだの中に持っていて、かつ眠らせていなければならないものを

身代わりとして体現化している存在のように私には思えてくるのである。

 

 

以前トランぺッターの渡辺隆雄さんからうかがった話にこういうものがあった。

渡辺氏と組んで活動していたパンデイロ奏者の故小澤敏也氏は、いわゆる”フリー・ミュー

ジック”の演奏スタイルによるアプローチが苦手だった。

ある日のセッションで フリー・ミュージック演奏の最中、小澤氏がいきなりリズムパターン

を叩き出した。

「リズムを刻むんじゃない!」

周りのメンバーが咎めたところ、逆ギレした小澤氏が一言。

「なにやってもいいから”フリー”じゃねえのかよ!!」

 

 

私が思うに小澤氏の言ってることの方が正論だ(笑)。

口では”フリー”と言いながら、実際にはフリー・ミュージック的なアプローチというものは

既にスタイル化してしまっている。それは本当の意味において”フリー”ではない。

だがもし本当の自由を手にしてしまったら、自由というものの大きさを持て余し、あるいは

押し潰されてしまうかもしれない。ほどほどの制約、ほどほどの自由くらいが人間じつは心地

よいはずである。

 

 

バンド活動をしていた二十歳頃だったと思う。

そのころ活動の拠点にしていた福岡市西新のライヴハウス”JA-JA”に、アングラ界のカリスマ

灰野敬二率いる”不失者”が来るというので、メンバーと一緒に観に行った。

決して広くはないスペースでのトリオ演奏、、、ギターをかき鳴らし、雄叫びを上げ、のたうち

回る、、、。当時の私にはその魅力がサッパリ分からず、そのまま時が過ぎた。

 

 

最近になって You Tube で久しぶりに灰野氏の音に触れた。

そして、ここ近年のライヴ映像を観て正直おどろいた。

約三十年前のあの頃と、音に対するアプローチが全く変わっていなかったことに、、、。

彼のアプローチがこんなに長い年月変わらず続いていることに率直に感動した。

これだけの年月、ここに居られるという事は、信じられるなにかが無いと絶対に無理である。

 

 

その昔フリーに首を突っ込んでいた頃、自分と灰野氏のアプローチの差や違いが正直分からな

かった。何故にあちらはカリスマなんだ???

 

 

かつてマイルス・デイヴィスは自叙伝のなかでこう言い放った。

「オレにとっては、音楽と人生はスタイルがすべてだ」

そして世の中の多くの人が(意識的であるにせよ無意識であるにせよ)音楽というものを

スタイルで捉え、スタイルで聴いている。もちろん私自身もそうだ。

彼の出す音をスタイル的に捉えようとするひとは、それを”フリー”と呼ぶのであろうが、

【灰野敬二のうた、およびギター】は「うまい」「へた」などという価値観と関係のない世界を

泳いでいる。”歌唱”ではなく声、”ギター演奏”ではなく弦の音、、、。

つまり鑑賞する音楽というよりは音の素材と向き合う世界と言えるだろう。

 

 

灰野敬二の佇まいを保つには、おそらく”自由”であることと同時に”勇気”も必要になるはずだ。

演奏ではなく発音、、、作品ではなく現象に近い。

彼の音を従来の音楽鑑賞と同じ姿勢で向き合ったが為、はじき返されてしまった人々は、一様に

彼を笑い飛ばし、あるいは口々にののしる。

 

(You Tube に寄せられたコメントを参照のこと、、、)

 

 

絵画でも音楽でも”芸術作品”と呼ばれるものは、本質的に作者や演者の『美意識の表出』という

世界から抜け出せないものが大半である気がするが、彼の音はそれとは非常に遠く離れたところ

にいる。

彼の音は日本的エキゾチズムを売りにしていないにもかかわらず、まぎれもない日本的人間に

よる真のフォークロアのような、地に足の着いた真実の響きをもっている。

 

 

初めのひとことを今一度繰り返させていただきたい。

灰野敬二は本来すべての人がからだの中に持っていて、かつ眠らせていなければならないものを

《身代わりとして体現化している存在》のように私には思えてくるのである。

 

 

(作品的要素の強いものも最後にひとつ)

 

 

2018.4.14.

 

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個性幻想論(個性と模倣の関係)

 

”プロミュージシャン(その2)”のタイトルのもと、巷で誤解されがちな『ミュージシャンの

個性確立』に関する話を展開するつもりだったのだが、独立したテーマとして扱いたくなった

ので、前回のブログの続きは、このたびめでたく発展的解消を遂げました(ゴメンなさい、

ゴメンなさい、、、)。

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「その分野の語法を学び、吸収し、応用すること」と「他者をコピーすること」。

このふたつは時として一緒くたに語られやすい。

 

かつてのエピソード。私が福岡市内のギター専門店で、レッスンの合い間に鈴木大介氏の

アレンジ作品を耳コピーし、練習していた時に事は起こった。

折しも九州ツアーで来られていた鈴木氏の師匠F氏が、私を指差し「ハハ、大介のコピーや!

ダイスケのコピー!コピー、コピー、、、」とあたかも小学校時代の同級生のように(失礼)

露骨にはやし立てたのである。

 

 

あれはいったい何だったんだろう、、、(苦笑)。いまでも思い出すたび金縛りにあうのだが、

おそらく「こいつの中のダイスケ・コンプレックスを吹き飛ばしてやろう」といった、今思うと

F氏なりの親心、師匠心だったかもしれない(巨匠、単に虫の居所が悪かっただけかもしれ

ない)。

ただそのとき私の中に残ったのは、他者を真似、コピーして吸収するという勉強法そのものを

否定された、、、という感覚だった。

 

 

「コピーすること」「自分の表現のなかに他者からの影響を見つけられること」は、「オリジ

ナル(と思い込んでいる)な表現を生み出すこと」と比べて、かなり低いものとみなされ軽視

された時代がかつてあり、それは現代でも時折見受けられることである。

今の六十代以上のプロミュージシャン(特に男性)には多いのだが、彼らにとって(巨匠からの

それはともかく)身近な他者からの影響を口にすることは、いわば他人の軍門に下るのに等しい

ハッキリ言えば屈辱的なカッコ悪いことであった。

 

 

例えて言うと、音楽というものはいわば外国語であり、その中に《ジャズ語》《クラシック語》

《シャンソン語》《フォルクローレ語》《ショーロ語》《ロック語》など、様々な【音楽国】の

言語が存在している。

そしてその中にさらに演奏形態別の方言的世界がある(ギター弁、ピアノ弁、サックス弁、

合唱弁などなど、、、)。

漠然と「音楽はひとつ」と捉えがちだが、現実問題としてこれらの間には、明らかに表現語法や

演奏アプローチが違うという、いわば”垣根”がある。

ちなみに私の場合、これまで様々な音楽と関わってきた経験上、「ピアノあるいはオーケストラ

の世界が音楽の王道であり、共通(標準)語である」という帝国主義的視点に一切くみしない。

 

 

ともかく先人の語法を体験し、あるいは発展させるということが、現在各分野においてなされて

いる主なことであろう。

ジャズを学んでいてつくづく思うのだが、即興という建前上、何でもやっていいかというと

実際はそうではない。それがジャズである以上、ジャズの語法で喋らないとコミュニケーション

にならないのである。”おはよう””ありがとう”などの言葉を覚えてその国で自由に使いこなす

ことと、”おはよう”に代わる新たな言語を発明することは、自由の意味する次元が異なるのだ。

 

 

つまり先人を模倣して学び、吸収することは音楽する上で避けて通れない過程である。それは

悪いことでも何でもない。

ただ自分が憧れ、尊敬し、影響を受け、模倣したものの数が少ないほど、ある特定の影響が

浮かび上がるのは当然である。

その状態のことを、ひとは時として「個性(オリジナリティ)の欠如」と呼ぶのだと思う。

 

 

簡単に言えば、いろんなものから影響を受け、ばんばんコピーして混ぜていった方が、おもし

ろいものが出来てくるんじゃなかろうか、という話である。

「そのひとがいきいきと光り輝く」ために動いた方が、なんだか楽しそうな気がする。

”個性”なんてそんな当たり前なもの、追いかけなくていいじゃないか。

 

2018.4.2.

 

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